Perché oggi i musicisti amatoriali sono meno incoraggiati a suonare musica o, semplicemente, a creare arte?
Ci sono diverse ragioni dietro questa tendenza e, nell’ultimo secolo, sembra che musicisti amatoriali o hobbisti siano meno inclini a prendere in mano uno strumento.
A volte imparare uno strumento è percepito come troppo difficile o troppo competitivo e spesso viene sostituito con un altro hobby o, nella maggior parte dei casi, uno sport.
Molti amatori e musicisti intermedi vogliono iniziare una band, ma si ritrovano senza un bassista, un batterista o un cantante (sì, un chitarrista lo trovi sempre 😅)… ma come siamo arrivati a questo punto?
Prima della musica registrata: dai musicisti amatoriali ai professionisti dell’ascolto
Facciamo un grande passo indietro, prima dell’alba della musica registrata.
Prima del 1877 (circa) le persone potevano accedere alla musica solo attraverso le proprie comunità o grazie a musicisti itineranti di passaggio nei loro paesi.
Imparare uno strumento o semplicemente studiare musica era fortemente incoraggiato, anche per gli amatori. Il focus sul processo creativo era più importante del risultato finale o di un’esecuzione straordinaria, come quella che vediamo oggi nei virtuosi.
La possibilità di “assaggiare” la musica non era solo per l’élite, ma per tutti. Tuttavia, questo è cambiato non appena radio e vinili sono diventati accessibili al grande pubblico.
Non c’era più bisogno di sedersi al pianoforte e provare con cautela a suonare i propri brani preferiti: la musica registrata lo faceva al posto tuo.
La musica registrata era ovviamente suonata da musicisti professionisti, creando un nuovo standard.
Ciò spinse gli amatori a riporre gli strumenti e immergersi nell’ascolto.
Il declino del musicista amatoriale
Con la crescita del capitalismo, la musica stava cambiando.
Un tempo vera forma d’arte, la musica è diventata un prodotto, realizzato in massa nelle fabbriche di dischi e poi trasmesso dalle radio in tutto il mondo.
Se i musicisti professionisti stavano “producendo” grandi opere d’arte, qual era il senso di investire nei musicisti amatoriali?
Dal punto di vista delle etichette discografiche, gli amatori generano solo una piccola frazione del valore economico di un professionista, motivo per cui tutti gli investimenti finivano negli studi di registrazione professionali e nel sostegno agli artisti.
Osservando queste statistiche di vari Paesi, possiamo capire perché oggi è difficile trovare musicisti e perché sembra impossibile trovare membri per una band.
Oggi le cose sono cambiate e, anche se prendere in mano uno strumento non è più così comune, piccole comunità online e offline stanno incoraggiando persone di diversi contesti sociali a dedicarsi alla musica, anche senza l’obiettivo di diventare star. Queste comunità sono piccole ma molto attive, anche se gran parte dell’attenzione rimane sui musicisti professionisti presenti sui social media.
Noi di Thomann incoraggiamo sempre a prendere uno strumento e provare qualcosa di nuovo! Abbiamo anche una serie di canali YouTube dedicati ai musicisti emergenti:
L’era degli algoritmi e i musicisti amatoriali
A volte ti sarai chiesto: perché non riesco a crescere sui social come musicista principiante?
Instagram, TikTok e YouTube promuovono continuamente – tramite i loro algoritmi – i musicisti professionisti o i contenuti più coinvolgenti in termini di engagement e follower.
Queste piattaforme puntano a mantenere gli utenti più coinvolti possibile, così da esporli al maggior numero di inserzioni.
Certo, guardare qualche reel non fa male, ma le piattaforme stanno seguendo lo stesso trend delle etichette discografiche del passato: mettere sotto i riflettori i professionisti e lasciare il resto nell’ombra.
Le implicazioni di vedere sempre meno amatori, sia online che offline, hanno un impatto negativo sulla nostra cultura collettiva.
Come superare l’insicurezza quando si suona uno strumento?
Esprimere la propria creatività porta con sé molte insicurezze e, quando vedi solo professionisti, potresti iniziare a chiederti: che senso ha?
Parte di questa insicurezza proviene dal perfezionismo. In psicologia, il perfezionismo è fortemente collegato al burnout creativo: le persone abbandonano i loro hobby quando sentono che il loro lavoro non raggiunge uno standard impossibile.
La gioia del fare musica svanisce lentamente e gli strumenti iniziano a prendere polvere, finendo in qualche soffitta prima di essere buttati o venduti a un mercatino.
Rimanere attivi in comunità musicali e tra persone che la pensano allo stesso modo aumenterà la tua fiducia quando senti che “c’è sempre qualcuno più bravo”.
Inoltre, istituzioni, educatori e governi dovrebbero concentrarsi di più sui benefici dell’esperienza musicale e sul supporto alle comunità per valorizzare l’essere “amatori”.
AI e il futuro dei musicisti amatoriali
La musica registrata ha alzato l’asticella, i social media hanno amplificato i riflettori sui virtuosi, e ora l’AI fa un passo ulteriore producendo brani istantanei, perfetti e spesso indistinguibili da quelli realizzati da esseri umani. A ogni stadio, il messaggio implicito agli amatori è rimasto lo stesso: “lascia fare ai professionisti… o ora, alle macchine”.
Questa mentalità si inserisce perfettamente nella cultura dell’“lo voglio subito”, in cui velocità e perfezione valgono più dell’espressione umana. Eppure, sono proprio le imperfezioni a rendere la musica viva.
Godersi il processo ed essere amatori dovrebbe essere incoraggiato proprio come andare in palestra e allenarsi.
Il valore dell’arte e della musica non sta solo nella perfezione, ma nella gioia, nella connessione e nell’umanità che portano con sé.
Non ci aspettiamo che ogni runner faccia una maratona, o che ogni pittore finisca al Louvre. Allora perché pretendiamo lo stesso dalla musica?
Perché essere un musicista amatoriale è “ancora” fantastico – La tua opinione
Sei un musicista alle prime armi? Quali sono i tuoi pensieri e le tue emozioni nel tuo percorso musicale? Raccontacelo nei commenti!
Commenti 0
Ancora nessun commento.