Guide Intergalactique des Amateurs de Silence

Des grandes métropoles aux petites villes de campagne, en raison de l’isolation de notre bande sonore quotidienne a changé: le rugissement du trafic aérien, le faible bourdonnement des carrefours routiers, l’essaim hétérogène de la vie quotidienne et même les bruits des cours que certaines écoles génèrent toutes ces fréquences qui, jusqu’à il y a un mois, ne pouvaient que difficilement être perçues car elles étaient souvent couvertes de voix plus fortes.

Pendant ces périodes, beaucoup prétendent percevoir un silence étrange et, habitués à la « musique abstraite » vibrante de la vie contemporaine, ont du mal à vivre avec le nouveau paysage sonore. Mais qu’est-ce vraiment que le silence? Et comment l’utiliser dans nos projets musicaux? Voici un petit guide intergalactique pour les auditeurs du silence qui, je l’espère, enrichira vos expériences créatives.

La terre se calme, écoutez plutôt l’espace!

Lorsque nous pensons au mot « silence », des images de lieux isolés nous viennent à l’esprit: sommets montagneux, déserts, prairies sans limites et autres décors calmes qui excluent la présence de l’homme et l’urbanisation. Si nous voulons nous référer spécifiquement au silence, nos pensées doivent se tourner vers l’espace, entre les étoiles, les galaxies et les planètes.

Les sons que nous entendons chaque jour sont des oscillations de particules provoquées par des mouvements vibratoires qui se propagent mécaniquement dans un milieu physique (l’air); dans les distances célestes, il n’y a aucun moyen qui pourrait servir de support aux ondes sonores et donc aucune propagation des vibrations n’est possible. Les sons des explosions des planètes ou des vaisseaux spatiaux des films de science-fiction sont fabriqués, l’espace est totalement silencieux.

Grâce à la recherche et à la technologie et grâce à des appareils particuliers, nous sommes en mesure de capturer les données de certains rayonnements dans le cosmos – tels que les ondes radio, qui ne sont pas des sons! – et de les convertir et de les traduire en matériel audible synthétique; il est ainsi possible de donner une « voix » à de nombreux phénomènes astrophysiques.

Depuis un certain temps, la NASA met à disposition certaines des traductions fascinantes faites lors des explorations spatiales, en les offrant gratuitement à ceux qui veulent essayer de s’immerger dans de nouvelles expériences musicales. Pour plus d’informations, visitez le site de la NASA ou écoutez les sons de l’espace sur le Soundcloud officiel de la NASA.

Faites l’experience d’une chambre anéchoïque

Des scientifiques et des physiciens du monde entier ont travaillé dur pour créer un environnement aussi proche que possible du concept de « silence absolu »: construits pour tester des équipements électroniques ou pour mener des études acoustiques et psychoacoustiques, les chambres anéchoïques sont des lieux conçus pour absorber et briser vers le bas la plupart des réflexions sonores. Le compositeur John Cage a eu l’occasion d’en visiter un au début des années 1950, à l’Université Harvard; dans cette situation silencieuse et solitaire, Cage a entendu deux sons, un aigu et un grave. Intrigué par l’écoute, il a demandé au technicien de laboratoire des éclaircissements qui lui ont expliqué que le son aigu était celui de son système nerveux en fonctionnement, tandis que le son grave appartenait à son sang en circulation.

Si cela vous semble cool, je vous recommande de vous pencher sur les centres de recherche qui peuvent vous offrir une visite spéciale dans ces chambres. Ça en vaut la peine!

Redécouvrez l’histoire et inspirez vous en!

En 1952, Cage écrit une œuvre muette qui rapporte dans le titre sa durée totale exprimée en minutes et secondes: 4’33  ». À ses débuts, la composition a été jouée au piano par David Tudor; le pianiste avait pour seule tâche de ne pas jouer et signaler au public le début et la fin des trois mouvements de la chanson en ouvrant et fermant le couvercle du clavier. C’est ainsi que le « silence » a été inscrit au programme d’un concert: pendant quatre minutes et trente-trois secondes, le public de l’auditorium a été contraint d’écouter les bruits de l’environnement dans lequel il était plongé, du grincement de la chaises à la toux, de la circulation sonore au-delà des fenêtres au souffle du voisin de fauteuil. Avec cette pièce puissante et controversée, Cage a révélé un paradoxe: le silence n’est rien sinon le son précieux de l’environnement qui nous entoure, tout ce qui était audible est soudain devenu un objet artistique. 4’33  » n’est pas un acte de déni de musique mais, au contraire, l’affirmation de son omniprésence. Voici une pochette de 4’33  » proposée par le groupe de métal Dead Territory:

Entraînez-vous à la musique universelle et découvrez de nouveaux paysages sonores

Après l’expérience de 4’33  », de nombreuses compositions ont commencé à fleurir, plaçant le spectateur et l’intentionnalité de l’écoute au centre, proposant les sons de l’environnement comme une musique universelle. Si l’ouïe est le support physique qui permet la perception, écouter signifie prêter attention à ce qui a été perçu, acoustiquement et psychologiquement. Avec ses instructions verbales écrites sur du carton, en 1963 Yoko Ono a demandé au public d’écouter le son d’un battement de cœur (Beat Piece); avec la série de concerts Listen (1969), Max Neuhaus a amené les gens à découvrir des lieux urbains avec un charme sonore inouï: dans les zones sous les passages à niveau de circulation intense, entre les usines d’eau ou les stations de métro, le public a été invité à plonger ses oreilles dans le son qui l’entourait.

Quelques années plus tard, en 1971, le concept de paysage sonore est né, défini comme l’ensemble de tous les sons, où que nous soyons. Dans cette vidéo courte et intense, Raymond Murray Schafer nous guide pour découvrir le paysage sonore:

https://www.youtube.com/watch?v=rOlxuXHWfHw

Prenez conscience et partagez la valeur du silence

Donner de la valeur au silence signifie augmenter notre conscience du son et renforcer notre capacité de concentration dans les phases d’écoute. Combien de fois est-il arrivé, lors de votre jam, de « perdre » le son de votre instrument, englouti par les fréquences des autres?

La compositrice américaine Pauline Oliveros a découvert que la construction d’exercices particuliers appelés Sonic Meditations pourrait aider les musiciens dans les pratiques d’improvisation. Sous forme d’instructions de performance, les premières méditations ont été développées dans les années 70 lors de quelques séances d’improvisation dans le but d’offrir aux participants des indications sur l’implication active de l’écoute; Les exercices d’Oliveros visaient à donner des stratégies pour la réponse musicale et ont pu maintenir une haute considération à l’unisson d’eux-mêmes, des autres et de l’environnement. Si vous êtes curieux, les Sonic Meditations ont été rassemblées dans le livre du même nom publié par Smith Publications et vous pouvez les retrouver sur le web.

Réécoutez les classique avec un nouveau point de vue

Le potentiel créatif du son de tous les jours a conduit de nombreux groupes et producteurs à créer des collages, des intrusions et des environnements sonores avec un effet certain. Amusés par les résultats rendus possibles par le montage de la bande magnétique, les Beatles ont manipulé l’enregistrement du rire de McCartney au point de le rendre semblable au vers d’une mouette, un enrichissement emblématique de Tomorrow Never Knows (1966); l’année suivante, McCartney lui-même présente le mystérieux – et malheureusement perdu depuis longtemps – Carnival of Light, une composition pour bandes magnétiques créée lors d’une pause dans Sgt. Pepper au festival Million Volt Light.

Dans le premier morceau de leur premier album studio du même nom, Black Sabbath a souligné le réglage de l’album avec le son d’un glas de la mort pris lors d’une tempête. Comme Ozzy Osbourne l’a déjà affirmé, l’idée est venue du producteur, Roger Bain, qui a ajouté les enregistrements contenus dans certaines cassettes qu’il avait avec lui: vrai ou non, l’ajout naturaliste a complété l’image et le scénario évoqués par Black Sabbath.

Parmi les nombreux exemples que nous pourrions encore citer, nous nous souvenons également de l’intro de Time (1974) de Pink Floyd qui a profité de la patte créative d’Alan Parsons pour insérer les sons de divers réveils enregistrés dans une antiquaire.

Construire le monde de demain avec les sons d’aujourd’hui

Une expérience mondiale intéressante appelée « Cities & Memories » recueille les enregistrements environnementaux de nombreux endroits dispersés à travers le monde avant que la pandémie ne se déclare et les combine avec autant de nouvelles pistes: ces chansons peuvent documenter le changement sonore réel d’un lieu ou être de les interprétations artistiques sur l’avenir. Les sons de la carte sont pour l’instant plus de 3000, enregistrés dans 90 pays et territoires différents; les enregistrements documentent une infinité de paysages, des bruits du port de San Francisco aux chants des pêcheurs de Turkana en passant par Venise, Taipei et Birmingham. Tout le monde peut participer à l’initiative: tout le monde peut participer en envoyant toute forme de nouvelle imagerie sonore, à condition qu’elle soit liée à un lieu.

https://citiesandmemory.com/what-is-cities-and-memory-about/

Article original par Johan Merrich, traduit de l’italien.

Quelle relation entretenez-vous à cette époque avec votre paysage sonore? Cela vous a-t-il donné un petit coup de fouet pour la production d’œuvres musicales? Racontez nous cela avec un commentaire!