{"id":10000959,"date":"2025-07-29T09:59:00","date_gmt":"2025-07-29T07:59:00","guid":{"rendered":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/?p=10000959"},"modified":"2025-09-26T09:28:35","modified_gmt":"2025-09-26T07:28:35","slug":"le-piu-belle-colonne-sonore-dei-videogiochi","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/ispirazione\/le-piu-belle-colonne-sonore-dei-videogiochi\/","title":{"rendered":"Le pi\u00f9 belle colonne sonore dei videogiochi"},"content":{"rendered":"

Ci sono videogiochi che ricordiamo per la loro trama o per le grafiche, ma in molti casi, ci\u00f2 che rimane davvero impressa \u00e8 la loro musica.<\/strong><\/p>\n

Questo articolo \u00e8 un viaggio attraverso quelle colonne sonore che hanno segnato un\u2019epoca. Non tutte sono orchestrali o complesse. Alcune sono fatte con pochi bit, altre con tutto lo spirito di un rave. Ma tutte hanno una cosa in comune: hanno lasciato un\u2019impronta nel mondo dei videogiochi.\u00a0<\/strong><\/p>\n

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Super Mario Bros (1985)<\/b> \u2013 Koji Kondo<\/i><\/h2>\n

Prima di Super Mario Bros.<\/i>, la musica nei videogiochi era poco pi\u00f9 di un accompagnamento funzionale, ripetitivo e dimenticabile. Ma Koji Kondo<\/b> ha cambiato tutto per sempre. Con solo pochi canali audio e limitazioni tecniche enormi, ha creato melodie che oggi fanno parte della storia della cultura pop.<\/p>\n

Super Mario Bros.<\/i> ha trasformato la musica nei videogiochi in un\u2019arte con identit\u00e0 propria, ancora oggi sfruttata. Ah, e Kondo<\/b> non si \u00e8 fermato l\u00ec: ha fatto di nuovo magia nella saga di Zelda<\/b>. Una leggenda vivente.<\/p>\n

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Donkey Kong Country (1994)<\/b> \u2013 David Wise<\/i><\/h2>\n

Nel 1994 \u00e8 uscito su Super Nintendo Donkey Kong<\/i>, l\u2019ambizioso platform di Rare<\/i>. Tutti si aspettavano una musica melodica e allegra, ma David Wise<\/b> ha consegnato qualcosa di totalmente inaspettato: ambient, melodie avvolgenti, atmosfere malinconiche e ritmi tropicali carichi di marimbe ed effetti sonori. Menzione speciale per \u201cAquatic Ambience<\/i>\u201d, che ha raggiunto una spiritualit\u00e0 subacquea cos\u00ec perfetta da superare il gioco stesso. Wise<\/b> ha fatto suonare la Super Nintendo come mai prima, e la sua musica \u00e8 stata la porta d\u2019ingresso al genere ambient per molti bambini.<\/p>\n

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WipEout (1995) <\/b>\u2013 CoLD SToRAGE<\/i><\/h2>\n

Ma l\u2019arrivo del formato CD con console come la PlayStation ha cambiato tutto. WipEout \u00e8 stato pioniere nel comprendere che la musica non doveva essere un semplice accompagnamento, ma una parte essenziale dell\u2019esperienza. \u00c8 stato uno dei primi giochi a dare alla musica la stessa importanza del gameplay, con una strategia chiara: conquistare i giovani che affollavano club e rave.<\/p>\n

Per farlo, servivano i nomi che facevano vibrare quelle piste da ballo. In un\u2019epoca in cui i videogiochi erano ancora visti come un prodotto per bambini, molti artisti si rifiutarono di partecipare. Ma riuscirono a convincere Orbital<\/b>, The Chemical Brothers<\/b> e Leftfield<\/b>, ognuno dei quali con un brano. Il resto della colonna sonora fu firmato da CoLD SToRAGE<\/b> (Tim Wright), compositore interno dello studio, i cui pezzi definirono il tono sonoro di un\u2019intera generazione.<\/p>\n

Con WipEout<\/i>, techno, drum & bass ed elettronica underground entrarono trionfalmente nel mondo del videogioco. E nulla suon\u00f2 pi\u00f9 come prima.<\/p>\n

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Final Fantasy VII (1997)<\/b> \u2013 Nobuo Uematsu<\/i><\/h2>\n

Quando Final Fantasy VII<\/i> arriv\u00f2 nei negozi nel 1997, non cambi\u00f2 solo ci\u00f2 che ci si poteva aspettare da un videogioco\u2026 cambi\u00f2 per sempre anche la percezione di cosa potesse essere la sua musica. Nobuo Uematsu<\/b>, gi\u00e0 rinomato per il suo lavoro nei capitoli precedenti, compose una colonna sonora cos\u00ec ricca, emotiva e ambiziosa che molti lo paragonarono a un compositore cinematografico.<\/p>\n

Personalmente lo considero il Morricone<\/b> del mondo dei videogiochi: un compositore capace di catturare l\u2019anima di una storia in poche note. Ogni traccia in Final Fantasy VII<\/i> era un\u2019estensione dell\u2019universo di gioco. Dalla solenne \u201cAnxious Heart<\/i>\u201d all’epica \u201cOne-Winged Angel<\/i>\u201d, passando per l\u2019indimenticabile Aerith\u2019s Theme<\/i>: una melodia semplice e cristallina che ha fatto piangere migliaia di giocatori davanti allo schermo. Per la prima volta, molti si resero conto che i videogiochi potevano anche far emozionare.<\/p>\n

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Silent Hill 2 (2001)<\/b> \u2013 Akira Yamaoka<\/i><\/h2>\n

Silent Hill 2<\/i> \u00e8 uno dei pochi giochi in cui la musica\u2026 fa paura. Akira Yamaoka<\/b>, compositore e sound designer, riprese la formula noise-industrial del primo capitolo, ma stavolta la spinse oltre: aggiunse chitarre distorte, spezz\u00f2 le melodie e perfezion\u00f2 le atmosfere fino a renderle cupe e tenebre.<\/p>\n

La sua non \u00e8 una colonna sonora convenzionale. \u00c8 una presenza spettrale, un altro strato del trauma che attraversa il gioco. E se la si ascolta fuori dal videogioco, con attenzione, con buone cuffie e la mente in silenzio, si scopre che ogni suono \u00e8 pieno di dettagli sottili, di spazi vuoti e di texture che sussurrano qualcosa. Yamaoka<\/b> ha fatto in modo che il suono non decorasse l\u2019orrore, ma lo incarnasse. Come se tutta la musica del gioco provenisse da una ferita ancora aperta.<\/p>\n

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The Sims (2001)<\/b> \u2013 Jerry Martin e Marc Russo<\/i><\/h2>\n

Il primo *Sims*, in fondo, era un gioco cinico. All\u2019epoca non ne colsi l\u2019ironia e mi rimase l\u2019idea di un \u201csimulatore di vita<\/strong>\u201d. Ma se volevi progredire, il tuo Sim doveva lavorare, e tanto. Niente weekend, niente vere vacanze. Tutto per poter comprare un divano migliore, una vasca pi\u00f9 efficiente, una cucina pi\u00f9 costosa. Era una satira mascherata da gioco quotidiano: una critica allo stile di vita americano<\/strong>, dove la felicit\u00e0 \u00e8 sempre a un paio di oggetti di distanza.<\/p>\n

E la musica era la sua migliore complice. Bossa nova, jazz contemporaneo, easy listening\u2026 stili eleganti, piacevoli, rassicuranti. Suonavano mentre arredavi la casa, come se quel comfort sonoro giustificasse la corsa costante ad avere di pi\u00f9. Era un Muzak raffinato, progettato non per centri commerciali, ma per interni virtuali.<\/p>\n

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Vice City (2002)<\/b> – Vari<\/i><\/h2>\n

Mi sorprende quanto poco si parli oggi di questa colonna sonora, considerando l\u2019impatto che ebbe al tempo. Nel 2002, gli anni \u201980 erano ancora considerati un decennio superficiale, kitsch e fuori moda. Ma Vice City<\/i> fu una delle prime opere mainstream a rivalutarne l\u2019estetica, al pari di ci\u00f2 che cominciavano a fare alcune etichette elettroniche come Gigolo Records<\/i> di DJ Hell<\/b>.<\/p>\n

La musica si ascoltava dalle autoradio, dove il giocatore poteva scegliere stazioni tematiche in base all\u2019umore. Su Wave 103<\/i> riscoprivamo il synthpop dei New Order<\/b> o dei Tears for Fears<\/b>. Su Flash FM<\/i> brillavano i successi di Laura Branigan<\/b>, Hall & Oates<\/b> o Michael Jackson<\/b>. E su Emotion 98.3<\/i> fluttuavano ballate malinconiche di Foreigner, REO Speedwagon<\/strong> o Cutting Crew<\/strong>. La selezione non era un semplice accompagnamento: era parte dell\u2019atmosfera, del racconto, dell\u2019omaggio agli anni ’80.<\/p>\n

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Undertale (2015)<\/b> \u2013 Toby Fox<\/i><\/h2>\n

Undertale<\/i> \u00e8 uno di quei miracoli che capitano raramente nell\u2019industria. Creato quasi interamente da una sola persona, Toby Fox, il gioco non solo recupera lo spirito irriverente degli JRPG di Super Nintendo come EarthBound<\/i>, ma aggiunge una sensibilit\u00e0 profondamente personale, sincera e malinconica. Ma se c\u2019\u00e8 un aspetto in cui Undertale<\/i> eccelle in modo indiscutibile, \u00e8 la sua musica.<\/p>\n

Toby Fox ha composto l\u2019intera colonna sonora, emulando i suoni caratteristici delle console a 8 e 16 bit. Nonostante i limiti tecnici, ogni brano riesce a creare una connessione emotiva che pochissimi giochi hanno raggiunto. Fallen Down<\/i>, Once Upon a Time<\/i>, Ruins<\/i>, Snowy<\/i>, Megalovania<\/i>\u2026 (potrei citarne molti altri) sono gi\u00e0 storia del videogioco. La miglior colonna sonora mai creata per un videogioco? Forse s\u00ec.<\/p>\n

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Nier: Automata (2017)<\/b> \u2013 Keiichi Okabe<\/i><\/h2>\n

La colonna sonora di Nier: Automata<\/i> non si limita ad accompagnare: racconta, sente, respira. Keiichi Okabe ha costruito un universo sonoro che dialoga direttamente con i temi del gioco: il dolore, la ripetizione, l\u2019identit\u00e0, la memoria. Ogni melodia sembra scritta dalla fragilit\u00e0 di una macchina che sogna di essere qualcosa di pi\u00f9. E in quella contraddizione nasce qualcosa di profondamente umano.<\/p>\n

Brani come City Ruins<\/i>, Weight of the World<\/i> o Amusement Park<\/i> non si limitano a fare da sfondo, ma evolvono insieme alla storia, con variazioni vocali, strumentali ed emotive a seconda del contesto. L\u2019uso di lingue inventate, cori eterei e arrangiamenti malinconici trasformano ogni pezzo in un frammento di un\u2019anima che non esiste\u2026 ma che percepiamo come reale. Raramente la musica \u00e8 stata cos\u00ec essenziale per comprendere un videogioco. Keiichi Okabe ha ottenuto l\u2019impossibile: che una colonna sonora esprima disperazione, bellezza e fede di una civilt\u00e0 estinta.<\/p>\n

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The Last of Us (2013)<\/b> \u2013 Gustavo Santaolalla<\/i><\/h2>\n

The Last of Us<\/i> ha vinto ogni premio immaginabile, \u00e8 stato elevato a capolavoro e per anni \u00e8 stato definito \u201cil miglior gioco di sempre\u201d. Con il tempo, questa percezione ha cominciato a vacillare. Ma una cosa \u00e8 certa: ha segnato un\u2019intera generazione. E gran parte di quella traccia emotiva \u00e8 dovuta alla sua colonna sonora.<\/p>\n

Gustavo Santaolalla<\/b>, compositore argentino vincitore di due Oscar, ha scelto un approccio radicalmente opposto alle grandi orchestrazioni epiche dei giochi AAA. Qui, il protagonista \u00e8 il silenzio. Una chitarra rotta, tesa, fragile, scandisce il ritmo emotivo del viaggio. Santaolalla ha capito che, in un mondo distrutto, anche la musica doveva suonare ferita.<\/p>\n

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Avrei potuto citare decine di altre colonne sonore che hanno segnato un prima e un dopo nella storia dei videogiochi: l\u2019hip hop funky e vibrante di Jet Set Radio<\/i>, il revival sintetico e violento di Hotline Miami<\/i>, l\u2019epica cinematografica di Red Dead Redemption 2<\/i>, l\u2019acid jazz stilizzato di Persona 5<\/i> o la sperimentazione assurda e tenera di EarthBound<\/i>. Tutte loro, e molte altre, hanno dimostrato che la musica nei videogiochi non \u00e8 un semplice accompagnamento, ma un linguaggio emotivo che d\u00e0 forma al ricordo.<\/strong><\/p>\n

Perch\u00e9 se c\u2019\u00e8 qualcosa che accomuna queste colonne sonore, \u00e8 il fatto di essere riuscite a trascendere il loro stesso mezzo. Ci hanno fatto sentire, pensare, persino piangere. E anche quando il gioco finisce e spegniamo la console, quella musica continua a suonare dentro di noi, come una melodia che ormai fa parte della nostra storia.<\/strong><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Un viaggio tra le colonne sonore videogiochi che hanno segnato un\u2019epoca: da melodie a 8 bit fino all\u2019elettronica da rave, tutte indimenticabili.<\/p>\n","protected":false},"author":53,"featured_media":10000983,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"tblog_post_audio_url":"","footnotes":""},"categories":[10692],"tags":[],"class_list":["post-10000959","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-ispirazione"],"category_colors":{"color_key":"inspire","css_classes":{"text":"cat-inspire","text_light":"cat-inspire-light","bg":"cat-bg-inspire","bg_light":"cat-bg-inspire-light","border":"cat-border-inspire","text_on_bg":"cat-text-on-inspire"}},"reading_time":{"minutes":8,"formatted":"8 min"},"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10000959","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/users\/53"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=10000959"}],"version-history":[{"count":5,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10000959\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":10000982,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10000959\/revisions\/10000982"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media\/10000983"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=10000959"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=10000959"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/it\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=10000959"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}