Hit the Tone! Rock Indé et Alternatif

Salis ta guitare et embrasse l’essence enivrante de l’indie (ou du rock alternatif, peu importe)

Mais INDIE peut signifier beaucoup de choses?

Peu de termes ont provoqué autant de fleuves d’encre que l’indie. Est-ce simplement une façon de faire les choses? Devient-il un genre? Cela a-t-il commencé comme une chose et maintenant c’en est une autre? Qu’est-ce que l’indie et le rock alternatif? L’indie résoudra-t-il la crise climatique? Est-il mort ou n’est-il ni créé ni détruit et seulement transformé? J’ai peur, chers lecteurs, que vous deviez chercher ces réponses ailleurs. Ici, nous nous référons à un son très concret: celui qui a été créé par des groupes (principalement américains) depuis le milieu des années 80 autour de petits labels indépendants qui avaient un niveau de popularité relatif (Matador, K, Merge ) et avec un pied dans le (Velvet) Underground, un autre dans la deuxième vague de punk américain et les oreilles dans les « 4 Bs » (Beatles, Byrds, Flying Burrito Brothers, Big Star). Nous parlons bien sûr de groupes comme Pavement, Sonic Youth, Dinosaur Jr., Yo La Tengo et The Pixies. Des mélodies immaculées et certainement des sentiments naïfs et lo-fi, mais aussi de la distorsion, de la vitesse et de la force. Ce mélange de calme et de tempête est sûrement la caractéristique la plus caractéristique du son que nous recherchons. Un son que, en parlant de guitares, vous devrez générer surtout à partir de plusieures pédales et de l’amplificateur. Alors sortez vos chemises à carreaux, ne vous embêtez pas à vous coiffer et chantez comme Lou Barlow: Gimme indie rock!

Tout commence avec la guitare

Si on devait résumer le genre avec une seule guitare, ce serait sans doute la Fender Jazzmaster, utilisée par  Ira Kaplan de Yo La Tengo (vidéo si dessus), Thurston Moore et Lee Ranaldo de Sonic Youth ou J Mascis de Dinosaur Jr., qui a d’ailleurs développé avec Fender un des modèles signature les plus populaires de ces dernières années. Mais ce n’est pas la seule guitare ! On compte également Peter Buck (de REM ) avec sa  Rickenbacker, D Boon (de Minutemen) et sa Telecaster, Kurt Cobain (Nirvana) avec son hydride de Jaguar et Mustang, Joey Santiago (The Pixies) avec sa Gibson Les Paul, Frank Black (également des Pixies) avec une Mustang. Tout ce que cela veut dire, c’est qu’on a affaire à un genre complexe et dont les sons les plus représentatifs proviennent de toutes sortes d’instruments.

Bien qu’il soit généralement recommandé de régler les potentiomètres de tonalité et de volume sur 10, nous devons tenir compte du fait que le son que nous recherchons est souvent basé sur des changements d’intensité (quelque chose qui a été tiré d’une combinaison de Hüsker Dü et des Pixies dans ce domaine), ce qui nous obligera, une fois que nous aurons trouvé notre distorsion, à utiliser le potentiomètre de volume, puisque c’est le plus accessible en jouant. Enfin, lorsque vous choisissez votre guitare, vous devez tenir compte, évidemment, du type de son que vous avez en tête. Principalement en raison des micros.

Les micros à simple bobinage sont les précurseurs et se caractérisent par un son brillant, rond et chaleureux. Le problème est qu’ils peuvent provoquer un buzz constant lorsque vous jouez à des volumes élevés. Nous devons y recourir lorsque vous recherchez un son clair et sans distorsion. Un son comme celui que l’on retrouve dans les chansons les moins bruyantes de Yo La Tengo.

Pour corriger ce buzz, les humbuckers (ou micros double bobinage) ont été développés. Lorsque deux bobines simples sont connectées d’une manière particulière, le bourdonnement disparaît. Et pas seulement le son: une certaine luminosité du son disparaît également, ce qui se transforme en quelque chose de plus complet et puissant. Branché sur l’amplificateur avec le même volume qu’un simple bobinage, le humbucker sonne beaucoup plus fort.

Une autre option pour obtenir la variété des intensités que nous avons mentionnées précédemment serait d’avoir une guitare avec les deux types de micros et de jouer avec le sélecteur. Parce que, amis, dans le rock indépendant, il existe de nombreux styles différents!

Mais c’est avec les pédales que tout commence à décoller!

Soyons honnêtes: il n’y a aucun élément dans votre équipement qui déterminera l’approche du son que nous recherchons plus que les pédales. Mais ou et comment utiliser une fuzz ou une distorsion ou un overdrive? Pourquoi en utiliser plusieurs? 

Si nous parlons de pédales de saturation, les plus anciennes sont les fuzz. Leur son, riche en harmoniques, ressemble au bourdonnement d’un frelon, et est caractéristique du rock psychédélique . Le fuzz reproduit le son d’un amplificateur défectueux et permet de déterminer l’allongement de la note. Il existe des dizaines de modèles, mais ceux que nous proposons ici sont des valeurs sûres: l’Electro Harmonix Green Russian Big Muff Fuzz, l’Electro Harmonix Big Muff PI USA ou la Dunlop Jimi Hendrix Fuzz Face. 

Outre une réverbération et un overdrive (que nous verrons plus tard), la clé de ce mur sonore que J Mascis construit est dans sa fuzz.  Avec cette prédominance du sustain, il crée un mur de distorsion, configuré par les différentes notes lorsqu’elles sont superposées. Pour un son comme celui obtenu par John Frusciante dans le solo de Wet Sand, réglez le sustain à pleine puissance et baissez encore plus le volume et la tonalité pour garder l’ensemble sous contrôle.

La pédale d’overdrive, quant à elle, émule l’effet d’overdrive d’un amplificateur à tube au volume maximum: le signal amplifié dépasse la capacité des tubes et déforme l’onde sonore, d’une manière plus douce que la fuzz et la pédale de distorsion.Nous allons donc l’utiliser pour fournir différents degrés de distorsion. Les trois exemples que vous avez ci-dessus sont trois modèles très intéressants: le Wampler Plexi Drive Deluxe, par exemple, est souvent utilisé par J Mascis; l’Alexander Pedals Jubilee Silver est souvent utilisé par John Frusciante avec Red Hot Chili Peppers et en solo, et le Fulltone OCD Overdrive V2, que vous pouvez souvent voir avec Thurston Moore. Prenons cette dernière pédale comme référence. Dans Bull in the Heather, par exemple, il y a une deuxième guitare avec un overdrive que nous pouvons obtenir en réglant le volume et le drive (la quantité de signal auquel l’effet est appliqué) à 11 heures et la tonalité un peu plus fort , à deux ou trois heures. En ajoutant un compresseur (la pédale que nous verrons plus tard), il crée le contrepoint parfait à la première guitare. Dans la célèbre piste d’ouverture de Feel the Pain de Dinosaur Jr., par exemple, nous pouvons entendre la distorsion douce d’un overdrive, dans ce cas avec le ton à plein régime (pour générer de la présence) et avec le gain et le volume entre les deux et trois heures.

Et maintenant, nous arrivons aux pédales de distorsion. Ils sont pour ainsi dire entre l’overdrive et le fuzz. Bien que les amplificateurs à lampes modernes puissent facilement se déformer, une pédale nous aidera à obtenir un son spécifique et à le manipuler plus facilement. La pédale de distorsion est utilisée lorsque nous recherchons plus d’agressivité et d’intensité, et c’est ce que les quatre bêtes ici proposent. Laissez-nous vous présenter (bien que vous en connaissiez probablement déjà la plupart): le Boss DS-2, le DS-1, le Proco Rat 2 et le MXR Distortion +. Et si nous parlons d’agression, d’intensité et de rock alternatif, c’est un peu plus difficile … nous parlons clairement de Nirvana. Le DS-1, par exemple, doit une grande partie de sa popularité au fait que Kurt Cobain (et aussi Novoselic, qui l’utilisait pour salir son son de basse) l’emportait partout avec lui. On l’entend clairement dans la chanson Heart Shaped Box, avec un son que nous obtiendrons en plaçant le niveau et la tonalité à onze heures, la distorsion à fond et le turbo au milieu. Le Proco Rat est l’une des pédales les plus utilisées dans le grunge, mais curieusement, Cobain ne l’a utilisée que dans Territorial Pissings. Comment? Eh bien, c’est très simple: réglez le filtre et le volume entre 9 et 11 heures et, bien sûr, réglez la distorsion à plein régime.

Eh bien, c’est tout avec les pédales, non?

Euh non. Vous avez les bases, c’est vrai, mais je dis que vous n’en êtes pas là si vous ne voulez que les bases, n’est-ce pas? Allez, entrons dans le détail!

Le chorus est basé sur la copie du signal de notre guitare et son léger retard par rapport à l’original. Le circuit fait ensuite osciller cette copie du signal de manière cyclique. Ces deux modèles, le Boss CH-1 et l’Electro Harmonix Small Clone sont parmi les plus caractéristiques. Le premier peut être entendu sur les guitares de Sonic Youth dans Wishing Fulfillment combiné à un boost. Dans ce cas, le chorus porterait la profondeur (quantité de signal désaccordé appliqué) entre 11 et 12, le taux (vitesse d’oscillation) à 10 ou 11 et le niveau (portion de signal avec effet et sans effet) et l’égaliseur à 1. La seconde est entendue sur la guitare de Come as You Are, sans autre explication, sauf que Cobain aurait utilisé tous les potards à 12h.

Une petite réverb ne peut pas manquer sur votre pédalier. Rappelons-nous: la réverb est chargée de simuler que notre son est produit dans un espace différent (plus profond, plus étroit, plus haut, etc.) que celui dans lequel nous sommes vraiment. C’est une pédale fondamentale quand il s’agit d’ajouter de la profondeur à votre du son. Ces deux modèles pourraient servir d’exemple: vous souvenez-vous de la guitare de J Mascis dans Little Fury Things? Eh bien, entre autres pédales, il utilise le Boss RV-6. Niveau (signal avec effet / signal sans effet) à 11, tonalité (niveau des aigus et des graves) à 12, temps (temps nécessaire  à la réverbération pour disparaître) à 9, et la réverbération à ressort (simule les ressorts classiques des années 50). Son voisin rouge, le TC Electronic Hall of Fame 2 est utilisé par John Frusciante dans The Sides, sélectionnant la réverbération de la salle, la tonalité, la décroissance (le temps qu’il faut pour que la réverbération disparaisse) et le niveau FX (signal avec effet / signal sans effet) entre 10 et 11.

Nous terminons cette revue du pédalier avec deux éléments qui peuvent être vus comme la cerise sur le son. Sur la gauche, vous avez le Dunlop Crybaby GCB95, une pédale avec laquelle il n’y a pas besoin d’introduction: peu de wah-wah sont aussi populaires. Un exemple? Bien sûr, écoutez le solo de Stephen Malkmus dans Jo Jo’s Jacket. A droite, l’Electro Harmonix Memory Toy, un delay analogique.

Maintenant parlons sérieusement: sans le bon ampli tout ça ne servirait pas à grand chose !

Comme pour les guitares, l’amplificateur n’est pas l’élément crucial pour obtenir le son que nous recherchons, mais avoir quelques lignes directrices en tête nous aidera à atteindre notre objectif sans dépendre entièrement des pédales. Dans la mesure du possible bien sûr. On constate que plus votre ampli est ancien (ou vintage), mieux cela sera. Les quatre modèles ci-dessus sont des classiques: Fender Blues Junior, Vox AC15 C1, Fender 65 Princeton Reverb et Fender 68 Custom Twin Reverb. Vous avez peut-être remarqué la prédominance de Fender. Il y a une raison à cela: depuis leur création, ces amplificateurs sont très appréciés pour le caractère concret et la propreté de leur son, en particulier les modèles classiques à face noire et à face argentée. Afin de favoriser la brillance du son, les aigus sont généralement amplifiés sur les registres médium et grave. Pour trouver la bonne distorsion, il est conseillé d’augmenter le volume autant que possible puis de tester le volume de la pédale de distorsion jusqu’à ce qu’il soit suffisamment net.

Quelques astuces qui n’impliquent pas de gadgets

Les voici:

• N’oubliez pas qu’en indie / rock alternatif, il n’y a pas vraiment de différence entre un guitariste rythmique et un soliste. Lee Ranaldo et Thurston Moore, qui est le soliste et qui est le rythmique? Ce n’est vraiment pas si clair! Cela se traduit par une plus grande importance sur le riff (plus basé sur les accords) et le rythme qu’un solo de guitare typique.
• Les accords intègrent généralement de petites variations: qu’il s’agisse d’une note majeure ou mineure ajoutée, les accords «modifiés» sont caractéristiques de ce son.
• La signature temporelle sera normalement 4/4. Cela facilite le maintien du rythme, mais il s’agit avec ça de trouver une progression d’accords accrocheuse qui n’ennuie personne.
• Moins, c’est plus: toujours. N’oubliez pas que vous êtes guitariste dans un groupe alternatif indie / rock, et pas Eddie Van Halen!

Conclusion

La plupart des groupes référencés ci-dessus sont apparus comme une réaction à la mélancolie et aux gens qui ne comprenaient pas que Spinal-Tap-était-une blague. C’est de là que vient la paresse et la «normalité» supposées qu’embrassent les membres de Yo La Tengo ou Pavement. Il est important de le souligner car, en plus d’être un son, ces groupes représentent un esprit: oui, prenez le temps de sélectionner votre guitare, votre ampli et vos pédales, mais n’oubliez pas une seconde qu’il s’agit de chansons, d’idées et émotions. Et une autre chose: si vous remarquez que vous vous prenez trop au sérieux, abandonnez tout et recommencez!

La musique d'abord, mais la guitare surtout ! Guillaume rejoint Thomann en 2017 et en est actuellement à 588 pauses déjeuner passées dans le magasin à essayer du matériel !

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