El horror synth no nació como un género musical consciente, sino como una solución creativa a un problema. En los años 70 y 80, el auge del cine de terror de bajo presupuesto —el llamado cine de serie B— obligaba a recortar gastos. Aquellas producciones no podían permitirse contratar a una orquesta para componer la banda sonora, así que optaron por una alternativa mucho más asequible: los sintetizadores.
Sin saberlo, estaban inventando un sonido nuevo, cargado de misterio y ansiedad, que acabaría definiendo la estética del miedo en toda una generación, y que ya en el siglo XXI, sería bautizado como Horro Synth. John Carpenter por un lado, y la banda Goblin por otro, fueron los encargados en dar forma a un género que todavía resuena en nuestros días.
John Carpenter
En 1974 John Carpenter rodó Darkstar, su primera película, su primera película, con un presupuesto limitadísimo. Debido a esa carencia financiera, y aprovechando su formación musical, decidió componer e interpretar él mismo la banda sonora, tirando de sintetizadores y técnicas de multipistas. El experimento le salió bien, ya que logró emular la grandilocuencia de una orquesta con medios casi caseros.
Fue en su segunda película, Asalto a la Comisaría del Distrito 13, (1976) donde pudimos ver la capacidad innata de Carpenter para crear atmósferas tensas y opresivas con una banda sonora sorprendentemente simple y minimalista. Utilizando cajas de ritmos con un sonido muy limpio, junto con bajos bajos secuenciados y pulsantes y melodías evocadoras, compuso un score que marcaría el sonido del terror en la década de los 80.
El gran éxito le llegaría en 1978, con Halloween. La película, rodada con un presupuesto de 300.000 dólares, recaudó 47 millones tan sólo en Estados Unidos y fue el inicio de una saga que dura hasta nuestros días. Y gran parte de ese éxito fue debido a su banda sonora. Una parte esencial de ese impacto estuvo en su música: una melodía de piano tan sencilla como escalofriante, capaz de aterrorizar tanto como el propio Michael Myers. Hoy ya forma parte del imaginario popular al nivel de las partituras de Psicosis o Tiburón.
Carpenter siguió componiendo la música de sus siguientes películas, muchas de ellas en colaboración con Alan Howarth. La Niebla, Escape de Nueva York o Christine, son algunas de las más destacadas
Goblin
Mientras Carpenter definía en Estados Unidos un lenguaje sonoro minimalista y helado, en Italia se estaba gestando un sonido más orgánico, pero igual de influyente. El giallo —un subgénero del cine de terror italiano de serie B, violento y ultra esteta— necesitaba una música que estuviera a la altura de ese exceso visual. Y fue Goblin, la banda liderada por Claudio Simonetti, quien encontró la fórmula perfecta: un cóctel de rock progresivo, sintetizadores analógicos y melodías inquietantes que convertían cada escena en un viaje hipnótico.
Su primera gran colaboración con Dario Argento, tal vez el director más representativo del género, llegó en Profondo Rosso (1975), donde su música adquirió un protagonismo inusual. El bajo repetitivo, las texturas electrónicas y los pasajes casi sinfónicos creaban una tensión que iba más allá del suspense: eran un personaje más, una presencia amenazante. Pero sería con Suspiria (1977) donde Goblin alcanzaría la cumbre, construyendo una de las bandas sonoras más perturbadoras y reconocibles del cine de terror de serie B. Voces susurradas, percusiones tribales y sintetizadores desbocados daban forma a una pesadilla sonora que redefinió el género.
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Otros
John Carpenter y Goblin sentaron las bases del género, pero no estuvieron solos. Otros músicos expandieron el sonido y lo llevaron por caminos distintos. Brad Fiedel firmó una banda sonora de tintes mecánicos y minimalistas para The Terminator (1984), claramente emparentada con el estilo de Carpenter. John Harrison compuso para El día de los Muertos (1985) una partitura que iba entre lo cursi y lo inquietante, un contraste perfecto para el cine de George A. Romero. Y Tangerine Dream, maestros de la electrónica alemana, entregaron uno de sus trabajos más sombríos con Near Dark (1987), la película de vampiros de Kathryn Bigelow. A ellos se suma también Fabio Frizzi, otro nombre imprescindible dentro del terror italiano, responsable de algunas de las atmósferas más macabras del género.
Siglo XXI
Tras los excesos visuales del giallo y el minimalismo Carpenter, la música de terror con sintetizadores empezó a desaparecer durante los años 90. Fue la década del giro hacia el maximalismo: las grandes bandas sonoras orquestales recuperaron el protagonismo y volvieron a dominar la escena. Sin embargo, a comienzos de los 2000 algo empezó a cambiar: el auge del coleccionismo de VHS, la cultura de videoclub convertida en nostalgia, y la nueva fascinación por lo retro dieron vida a un revival por los 80.
Sellos independientes y foros de internet comenzaron a rescatar aquellas viejas bandas sonoras, muchas veces editadas en vinilos olvidados o cintas polvorientas. Ese material, compartido en blogs y plataformas digitales, sirvió de puerta de entrada a toda una generación de oyentes que vieron en la década de los 80 algo más que hombreras y cardados imposibles. Nuevos artistas redescubrieron ese lenguaje y lo reinterpretaron adaptándolo al nuevo milenio. Zombi mezcló rock progresivo y electrónica cósmica, Umberto jugó con la estética del videoclub de terror al más puro estilo Carpenter, Gatekeeper lo llevó hacia lo industrial y futurista, y Perturbator lo cruzó con la energía del synthwave. Todos ellos recogieron la herencia de Carpenter y Goblin, pero la actualizaron con las herramientas y la intensidad de la electrónica contemporánea, inaugurando lo que, ahora sí, sería reconocido como horror synth.
La fiebre se había extendido por todas partes. Películas como Drive o It Follows, videojuegos como Hotline Miami o series como Stranger Things llevaron esa atmósfera y estética al mainstream, consolidando un revival que ya no pertenecía solo a los nichos, sino que se había convertido en parte del imaginario popular.
Ese revival no fue solo musical, también fue un gesto cultural. Una forma de volver a los pasillos del videoclub, a esas carátulas exageradas de terror barato y a una época en la que el miedo todavía se sentía analógico. Y quizá ahí está la clave: incluso en plena era digital, seguimos buscando melodías que nos hagan estremecer en la oscuridad.
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