{"id":10054689,"date":"2026-03-31T10:00:00","date_gmt":"2026-03-31T08:00:00","guid":{"rendered":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/?p=10054689"},"modified":"2026-04-01T14:56:14","modified_gmt":"2026-04-01T12:56:14","slug":"10-kuenstler-die-ihren-sound-komplett-geaendert-haben","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/entertain\/10-kuenstler-die-ihren-sound-komplett-geaendert-haben\/","title":{"rendered":"10 K\u00fcnstler, die ihren Sound komplett ge\u00e4ndert haben \u2026"},"content":{"rendered":"\n

In der Musik kann Erfolg eine Falle sein. Hat ein K\u00fcnstler erst einmal eine Formel gefunden, die funktioniert, ist die sicherste Variante, sie einfach zu wiederholen. Aber manche Musiker entscheiden sich f\u00fcr den gegenteiligen Weg: Sie zerrei\u00dfen den Bauplan, experimentieren mit neuen Sounds und riskieren, das Publikum zu verlieren, das sie ber\u00fchmt gemacht hat.<\/p>\n\n\n\n

Manchmal geht es nach hinten los. Aber wenn es funktioniert, kann es eine Karriere neu definieren.<\/p>\n\n\n\n

Hier sind zehn K\u00fcnstler und Bands, die das Risiko eingegangen sind, ihren Sound neu zu erfinden, und die gr\u00f6\u00dfer herauskamen als je zuvor.<\/p>\n\n\n\n

1. Taylor Swift: vom Country-Star zum Pop-Kraftpaket<\/h2>\n\n\n\n
\"Taylor<\/figure>\n\n\n\n

Als Taylor Swift Mitte der 2000er ihr Deb\u00fct gab, war sie fest in der Country-Welt verankert. Alben wie \u201eFearless\u201c und \u201eSpeak Now\u201c machten sie mit einem Country-Erz\u00e4hlstil und einer Crossover-Anziehungskraft zu einem der gr\u00f6\u00dften Jungstars des Genres.<\/p>\n\n\n\n

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Aber im Jahr 2014 entschied sich Swift, weiterzuziehen. Mit der Ver\u00f6ffentlichung von 1989 gab sie Country komplett auf und verschrieb sich dem gl\u00e4nzenden Synth-Pop. Das Wagnis zahlte sich spektakul\u00e4r aus, festige ihren Status als Pop-Ikone und erweiterte ihr Publikum weltweit.<\/p>\n<\/div>\n\n\n\n

Im Jahr 2026 hat Swift ihren Karriereweg ein weiteres Mal neu definiert. Nach dem Abschluss ihrer rekordverd\u00e4chtigen und \u00fcber mehrere Jahre gehenden \u201eEras\u201c-Tour wechselte sie in experimentellere Gefilde mit ihrem zw\u00f6lften Studioalbum \u201eThe Life of a Showgirl\u201c. Auf dieser Platte ging sie zur\u00fcck zu Soft-Pop- und Soft-Rock-Elementen, w\u00e4hrend sie eine historische Chart-Dominanz mit Singles wie \u201eThe Fate of Ophelia\u201c und \u201eOpalite\u201c hatte, die alle Allzeit-Streaming-Rekorde brachen.<\/p>\n\n\n\n

Ihre Neuerfindung \u00e4nderte nicht nur ihren Sound \u2013 sie formte die Musikindustrie neu und bewies, dass sie sich vom Country-Star zu einem globalen Pop-Ph\u00e4nomen wandeln konnte. Und schlie\u00dflich zu einer legend\u00e4ren, genre\u00fcbergreifenden K\u00fcnstlerin.<\/p>\n\n\n\n

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2. Harry Styles: vom Boyband-Pop zum Elektro-Rock-Crossover<\/h2>\n\n\n\n
\"Harry<\/figure>\n\n\n\n

Als Mitglied von One Direction war Harry Styles Teil einer der gr\u00f6\u00dften Pop-Gruppen der 2010er. Ihre Musik war polierter, radiofreundlicher Pop, abgestimmt auf eine riesige weltweite Fangemeinde.<\/p>\n\n\n\n

Als Styles im Jahr 2017 seine Solokarriere startete, \u00fcberraschte er viele Menschen, indem er eine v\u00f6llig andere Richtung einschlug. Sein Deb\u00fctalbum hatte gro\u00dfe Classic-Rock-Einfl\u00fcsse und erinnerte an K\u00fcnstler wie David Bowie und Fleetwood Mac. Dann kamen Fine Line und Harry\u2019s House, bei denen er Rock, Pop, Funk und Soft-Rock-Elemente zu einem unverwechselbaren Stil vermischte.<\/p>\n\n\n\n

Im Jahr 2026 entwickelte er sich mit \u201eKiss All The Time. Disco, Occasionally\u201c erneut weiter. Dieses vierte Album tauschte seine launenhafte \u201eHouse\u201c-\u00c4sthetik gegen einen dunkleren, synthlastigen Berlin-Clubsound ein. Indem er avantgardistische Elektronikproduktion mit seinem bisher verletzlichsten Songwriting verband, festigte Styles seinen Wandel vom Pop-Superstar zu einem Grenzen \u00fcberschreitenden musikalischen Cham\u00e4leon, das dabei Allzeit-Streaming-Rekorde brach.<\/p>\n\n\n\n

Anstatt einfach noch einmal Boyband-Pop zu machen, erschuf sich Styles eine neue k\u00fcnstlerische Identit\u00e4t mit Chart-Alben und einer m\u00e4chtigen, sich st\u00e4ndig weiterentwickelnden Solokarriere.<\/p>\n\n\n\n

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3. Bring Me the Horizon: vom Deathcore zum Pop\/Alt-Rock<\/h2>\n\n\n\n
\"Bring<\/figure>\n\n\n\n

Manchmal macht eine Band auch gleich mehrere Stilwechsel durch, so auch Bring Me the Horizon aus dem britischen Sheffield. Los ging es mit dem ersten Album \u201eCount Your Blessings\u201c mit brutalem Deathcore, das im Jahr 2006, zwei Jahre nach der Bandgr\u00fcndung, erschien. Ab 2008 wandelte sich der Sound auf den n\u00e4chsten beiden Alben \u201eSuicide Season\u201c und \u201eThere is a Hell\u2026\u201c mit mehr elektronischen Elementen dann in Richtung Metalcore.<\/p>\n\n\n\n

Diese Ver\u00e4nderung war abgeschlossen, als die Band 2013 das Album \u201eSempiternal\u201c ver\u00f6ffentlichte, auf dem der Metalcore nun mit viel Elektronik gemischt wurde. Doch zwei Jahre sp\u00e4ter kam mit \u201eThat\u2019s the Spirit\u201c ein Wechsel zum Alternative Rock. Nun gab es auch radiotaugliche Songs von Bring Me the Horizon zu h\u00f6ren.<\/p>\n\n\n\n

Seit 2019 und dem Album \u201eamo\u201c gibt es wiederum Pop- und noch mehr elektronische Einfl\u00fcsse von der Band zu h\u00f6ren \u2013 nur um dann 2020 wieder zu h\u00e4rteren Kl\u00e4ngen zu wechseln.<\/p>\n\n\n\n

Bring Me the Horizon wandern damit radikal durch die verschiedenen Genres im modernen Metal. Sie entwickeln sich stets weiter und der Erfolg gibt ihnen recht.<\/p>\n\n\n\n

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4. Depeche Mode \u2013 vom Synthie-Pop zum Synth-Rock<\/h2>\n\n\n\n
\"Violator<\/figure>\n\n\n\n

Als Depeche Mode Anfang der 1980er mit Singles wie \u201eDreaming of Me\u201c oder ihrem l\u00e4ngst zum Allzeit-Klassiker gewordenen \u201eJust Can\u2019t Get Enough\u201c die Musikwelt betraten, war ihr Sound klar definiert: Drumcomputer und Synthesizer, gespielt von Vince Clarke, Martin Gore und Andrew Fletcher, Vocals von Martin Gore und Dave Gahan \u2013 die gr\u00f6\u00dfte Band des Synthie-Pops war geboren. Mit dem Weggang von Synthesizer-Mastermind Vince Clarke und Einstieg von Alan Wilder schlug die Band industrielle Kl\u00e4nge mit mehr Sampling an, blieb ihrem Grundsound aber treu.<\/p>\n\n\n\n

Den Wandel l\u00e4utete Depeche Mode mit ihrem siebten und bis heute erfolgreichsten Studioalbum \u201eViolator\u201c aus dem Jahr 1990 ein. Erstmals waren akustische Gitarrenkl\u00e4nge bei der vorab ausgekoppelten Single \u201ePersonal Jesus\u201c zu h\u00f6ren. Mit dem Folgealbum \u201eSongs of Faith and Devotion\u201c ging die Band den neuen Weg mit akustischen Drumsounds, E-Gitarren und Soul-Elementen konsequent weiter.<\/p>\n\n\n\n

Viele Fans der ersten Stunde nahmen die klangliche Ver\u00e4nderung mit eher gemischten Gef\u00fchlen auf, doch Depeche Mode blieben auch bei weiteren Alben auf ihrem neuen musikalischen Pfad. So erschloss sich die Band, die auf Konzerten nun mit Live-Drums von Christian Eigner und E-Bass von Peter Gordeno unterst\u00fctzt wird, in den 90ern auch neue und noch gr\u00f6\u00dfere Fangemeinden auf der ganzen Welt.<\/p>\n\n\n\n

Und so h\u00f6ren auch 2026 alte und neue Fans nun \u201eJust Can\u2019t Get Enough\u201c, das nun halt etwas anders klingt als 1981.<\/p>\n\n\n\n

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5. Radiohead: Sie lie\u00dfen den Alternative Rock hinter sich<\/h2>\n\n\n\n
\"Kid<\/figure>\n\n\n\n

Radiohead wurde in den 1990ern mit Alben wie \u201eThe Bends\u201c und \u201eOK Computer\u201c ber\u00fchmt f\u00fcr emotional intensiven Alternative Rock. Aber anstatt die Formel zu wiederholen, die sie erfolgreich machte, tat die Band etwas Unerwartetes.<\/p>\n\n\n\n

Im Jahr 2000 ver\u00f6ffentlichte sie \u201eKid A\u201c, eine Platte, die schwer von Elektronischer Musik, Ambient-Texturen und experimentaler Komposition beeinflusst war.<\/p>\n\n\n\n

Es gab kaum traditionelle Rockgitarren. Die Songs waren abstrakt und unkonventionell. Anfangs waren die Leute von der Platte nicht so angetan, nichtsdestoweniger gilt Kid A heute weithin als eines der bahnbrechendsten Alben des 21. Jahrhunderts.<\/p>\n\n\n\n

Im Jahr 2026 hat sich das Verm\u00e4chtnis der Band, sich immer wieder neu zu erfinden, nur noch vertieft. Jahrzehnte nach Kid A wird sie weiterhin als Hauptarchitekt des modernen Art-Rock genannt und hat sich erfolgreich von einem Gitarren-getriebenen Act der 90er zu einem genre\u00fcbergreifenden Kollektiv gewandelt. Ihr sp\u00e4teres Werk, inklusive dem \u201eZahl-was-du-willst\u201c-Release von In Rainbows und der orchestralen Komplexit\u00e4t von A Moon Shaped Pool, bewies, dass sie globale Relevanz behalten und gleichzeitig die Industrienormen komplett ignorieren konnte.<\/p>\n\n\n\n

Radiohead hat bewiesen, dass k\u00fcnstlerische Risiken zu langfristigen kulturellen Auswirkungen f\u00fchren k\u00f6nnen. Sie wandelte sich von einer popul\u00e4ren Rock-Band in ein bleibendes Symbol kreativer Unabh\u00e4ngigkeit.<\/p>\n\n\n\n

6. Lady Gaga: Pop, Jazz und konstante Evolution<\/h2>\n\n\n\n
\"Lady<\/figure>\n\n\n\n

Lady Gaga wurde zuerst durch ihre maximalistischen Dance-Pop-Hits wie \u201ePoker Face\u201c und \u201eBad Romance\u201c ber\u00fchmt. Ihre fr\u00fche Karriere wurde durch High-Energy-Elektronik-Produktion und theatralische Visuals definiert.<\/p>\n\n\n\n

Aber Gaga weigerte sich beharrlich, sich auf eine Sache zu beschr\u00e4nken.<\/p>\n\n\n\n

Sie erforschte Jazz-Standards mit Tony Bennett, ver\u00f6ffentlichte das reduzierte, Country-beeinflusste Album \u201eJoanne\u201c und kam mit \u201eChromatica\u201c sp\u00e4ter wieder zu futuristischer Dance Music zur\u00fcck.<\/p>\n\n\n\n

Jeder Wechsel zeigte eine andere Seite ihrer Kunstfertigkeit und sorgte daf\u00fcr, dass sich ihre Karriere weiterentwickelte anstatt zu stagnieren.<\/p>\n\n\n\n

7. Genesis \u2013 vom Prog-Rock zum Pop-Rock<\/h2>\n\n\n\n
\"Genesis<\/figure>\n\n\n\n

Genesis war von 1967 bis 2002 aktiv, und man kann die Band ganz klar in zwei in zwei Genres unterteilen. Los ging es mit Peter Gabriel \u2013 und \u00fcbrigens noch ohne Phil Collins \u2013 als Folk- und Prog-Rock-Band. Mit dem Einstieg von Collins war dann ganz klar Prog-Rock angesagt. Theatralische Auftritte und Konzeptalben, etwa \u201eThe Lamb Lies Down on Broadway\u201c, machten die Band ber\u00fchmt und auch erfolgreich.<\/p>\n\n\n\n

Als Gabriel Genesis 1975 verlie\u00df, begann ein f\u00fcnf Jahre dauernder Wandel. Die Band bestand nun aus Phil Collins, Mike Rutherford, Tony Banks sowie Steve Hackett und machte radiotauglichere Musik, ohne aber ihren progressiven Charakter ganz aufzugeben. Mit dem Weggang von Hackett wurde dann ein unaufhaltsamer Prozess angesto\u00dfen.<\/p>\n\n\n\n

In den 1980ern waren Genesis aus den Charts einfach nicht mehr wegzudenken. Ihr radiotauglicher Pop-Rock war allgegenw\u00e4rtig und die Band geh\u00f6rte zu den absoluten Superstars der Zeit. Alben wie \u201eInvisible Touch\u201c oder \u201eI Can\u2019t Dance\u201c \u2013 inklusive der gleichnamigen Singles \u2013 dominierten die Charts und ihre Videos liefen auf MTV in Dauerrotation.<\/p>\n\n\n\n

Der Stilwechsel brachte der Band den richtig gro\u00dfen Erfolg. Der neue Stil kam nicht \u00fcber Nacht, sondern war das Ergebnis einer l\u00e4ngeren Entwicklung. F\u00fcr Genesis war es die richtige Richtung.<\/p>\n\n\n\n

8. Sleep Token \u2013 vom Post-Metal zum Genre-Hybrid<\/h2>\n\n\n\n
\"Sleep<\/figure>\n\n\n\n

Sleep Token wurde 2016 gegr\u00fcndet und hat eins stets beibehalten: Die Bandmitglieder sind anonym, treten immer maskiert auf, der S\u00e4nger nennt sich Vessel, der Drummer II, der Bassist III und der Gitarrist IV. Der Sound von Sleep Token hat aber eine ordentliche Verwandlung hinter sich.<\/p>\n\n\n\n

Die erste EP \u201eOne\u201c oder das 2019 erschienene Album \u201eSundowning\u201c waren noch stark vom Atmospheric\/Post-Metal gepr\u00e4gt. Doch seitdem wurde es mit der Kategorisierung immer schwieriger. Und das spricht ganz klar f\u00fcr Sleep Token!<\/p>\n\n\n\n

In den neueren Alben, besonders auf dem 2023 erschienenen \u201eTake Me Back to Eden\u201c verschmelzen Djent\/Modern Metal, Pop und R&B, Ambient\/Electronic und Gospel-artige Vocals zu einem einzigartigen Genre-Hybriden, der die Band unverwechselbar macht. Hier war sicher der Produzentenwechsel von George Lever zu Carl Brown nicht ganz unschuldig.<\/p>\n\n\n\n

Und die Band hat mehr Erfolg als je zuvor: Sleep Token f\u00fcllt Stadien, tritt als Headliner bei gro\u00dfen Festivals auf und das 2025 erschienene Album \u201eEven in Arcadia\u201c schoss sofort an die Spitze der Charts in den USA und im UK. Die Band hat ihren Sound gefunden, der sich trotzdem bestimmt stetig weiterentwickeln wird.<\/p>\n\n\n\n

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9. Madonna \u2013 von Pop zu Pop und trotzdem immer neu<\/h2>\n\n\n\n
\"Ray<\/figure>\n\n\n\n

Madonna war immer Madonna \u2013 und doch immer wieder anders. Seit dem Start ihrer Karriere Anfang der 1980er hat sie sich nicht nur sp\u00e4testens alle 10 Jahre einmal komplett neu erfunden, sondern jedes Mal auch gleich definiert, was dann Popmusik genannt werden durfte.<\/p>\n\n\n\n

80er-Klassikern wie \u201eHoliday\u201c, \u201eLike a Virgin\u201c, \u201eInto the Groove\u201c oder \u201ePapa Don\u2019t Preach\u201c folgte Anfang der 90er das unterk\u00fchlt und zum aufkommenden Dance passende \u201eVogue\u201c. 1997 machte sie mit \u201eDon\u2019t Cry for Me Argentina\u201c einen Musical-Abstecher, nur um im Folgejahr mit \u201eFrozen\u201c dunkle elektronische T\u00f6ne anzuschlagen. Das zugeh\u00f6rige Album \u201eRay of Light\u201c wurde von William Orbit produziert. So war wieder ein neuer Sound garantiert. Im Jahr 2000 gab es die n\u00e4chste Wandlung durch die Zusammenarbeit mit Mirwais und den Hit-Song \u201eMusic\u201c, mit dem sie zwei Jahre sp\u00e4ter auch den Titelsong zum James-Bond-Film \u201eDie Another Day\u201c produzierte.<\/p>\n\n\n\n

Die Geschichte ihrer Wandlungen geht weiter bis 2019 und ihrem 14. und bislang letzten Studioalbum \u201eMadame X\u201c, das als ihr bizarrsten Album gilt. Und f\u00fcr 2026 hat Madonna neue Musik angek\u00fcndigt, da ist der Wandel garantiert!<\/p>\n\n\n\n

Die Wandlungen von Madonna betrafen aber nicht nur ihre Musik. Sie gingen auch stets einher mit einem Stil- und Modewechsel. Madonna erfand nicht nur ihre Musik neu, sie erfand auch sich immer wieder neu. Mit Erfolg. L\u00e4ngst geh\u00f6rt sie zu den (erfolg-)reichsten Personen des Musikgesch\u00e4fts.<\/p>\n\n\n\n

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10. Metallica \u2013 vom Thrash Metal zum Mainstream Heavy Rock<\/h2>\n\n\n\n
\"Metallica<\/figure>\n\n\n\n

Niemand auf diesem Planeten wird bestreiten, dass Metallica die gr\u00f6\u00dfte Metal-Band der Welt ist. Mit \u00fcber 180 Millionen verkauften Tontr\u00e4gern ist sie eine der 10 umsatzst\u00e4rksten Bands der Musikgeschichte. Doch der Weg dahin war alles andere als gradlinig.<\/p>\n\n\n\n

Mit ihrem Deb\u00fctalbum \u201eKill \u2018Em All\u201c pr\u00e4gte Metallica ab 1983 den Thrash Metal. Mit den Folgealben, vor allem mit dem wegweisenden \u201eMaster of Puppets\u201c von 1986 etablierte sich die Band an der Spitze des Genres. Sie war die absolute Macht des Thrash Metal.<\/p>\n\n\n\n

Doch ab 1991 ging die Band neue musikalische Wege. Hits wie \u201eEnter Sandman\u201c von 1991 und die Power-Ballade \u201eNothing Else Matters\u201c von 1992 aus dem selbstbetitelten Album \u201eMetallica\u201c, das auch einfach das \u201eBlack Album\u201c genannt wird, waren bereits deutlich zug\u00e4nglicher im Sound und machten den Metal massentauglich.<\/p>\n\n\n\n

Ab Mitte der 1990er wandte sich die Band mit den Alben \u201eLoad\u201c und \u201eReload\u201c dann mehr dem Hard Rock zu. Metallica nahm mit \u201eGarage Inc.\u201c sogar ein Album mit Coversongs anderer Rock-Bands auf. Auch in den Folgejahren entwickelte sich der Sound von Metallica stetig weiter. Mal ging es mehr in Richtung Hardcore (Album \u201eSt. Anger\u201c), mal mehr Richtung Heavy Metal (Album \u201eDeath Magnetic\u201c). Thrash-Metal-Anleihen sind zwar bis heute zuweilen vorhanden, aber ihren alten Sound hat die Band hinter sich gelassen.<\/p>\n\n\n\n

Es war einer der kommerziell erfolgreichsten Soundwechsel der Metalgeschichte. Metallica sind l\u00e4ngst im Musik-Olymp angekommen und wurden 2009 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.<\/p>\n\n\n\n

Neuerfindung ist ein Risiko \u2026 aber manchmal ist es der einzige Weg vorw\u00e4rts.<\/p>\n\n\n\n

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Fazit: K\u00fcnstler und Bands mit neuem Sound <\/h2>\n\n\n\n

Den Sound zu wechseln, ist einer der risikoreichsten Schritte, die K\u00fcnstler machen k\u00f6nnen. Fans erwarten oft Vertrautes, und die Industrie tendiert ungl\u00fccklicherweise dazu, Vorhersehbarkeit zu belohnen.<\/p>\n\n\n\n

Aber die oben genannten K\u00fcnstler zeigen, dass Neuerfindung stark sein kann. Indem sie aus ihrer urspr\u00fcnglichen Formel ausbrachen, waren diese K\u00fcnstler in der Lage, ihren Stil in neue Territorien zu heben.<\/p>\n\n\n\n

Und in vielen F\u00e4llen kam der gr\u00f6\u00dfte Erfolg nach dem Wechsel.<\/p>\n\n\n\n

Denn in der Musik ist es manchmal der mutigste Schritt schlicht die Weigerung, unver\u00e4ndert zu bleiben.<\/p>\n\n\n\n

Dein Feedback: 10 K\u00fcnstler, die ihrem Sound komplett ge\u00e4ndert haben \u2026<\/h2>\n\n\n\n

Kennst du noch weitere Bands oder Solok\u00fcnstler? Wie hat dir der Stilwechsel unserer Beispiele gefallen? Verrate es uns gerne in den Kommentaren.<\/p>\n\n\n\n

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Was macht einen K\u00fcnstler oder eine Band legend\u00e4r? Es ist der Mut, das alte Selbst zu t\u00f6ten. Wir tauchen in karrierepr\u00e4gende Neuerfindungen von Harry Styles, Taylor Swift, Metallica oder Depeche Mode ein und ihre Platten, die die Musikgeschichte f\u00fcr immer ver\u00e4nderten.<\/p>\n","protected":false},"author":16,"featured_media":10054691,"comment_status":"open","ping_status":"0","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"tblog_post_audio_url":"","footnotes":""},"categories":[10708],"tags":[],"class_list":["post-10054689","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-entertain"],"category_colors":{"color_key":"entertain","css_classes":{"text":"cat-entertain","text_light":"cat-entertain-light","bg":"cat-bg-entertain","bg_light":"cat-bg-entertain-light","border":"cat-border-entertain","text_on_bg":"cat-text-on-entertain"}},"reading_time":{"minutes":11,"formatted":"11 Min."},"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10054689","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/users\/16"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=10054689"}],"version-history":[{"count":4,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10054689\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":10054746,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/10054689\/revisions\/10054746"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media\/10054691"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=10054689"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=10054689"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.thomann.de\/blog\/de\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=10054689"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}